Sining ni Rolly Crump: Isang Eksibisyon ng Kanyang Nawalang Ginawa

pinagmulan ng imahe：https://www.latimes.com/travel/story/2024-10-17/lost-art-of-rolly-crump-disney-los-angeles

Pumanaw si Rolly Crump noong 2023, at siya ay nakitang buhay noong 2018. Mamaya sa linggong ito, isang bagong eksibisyon ng kanyang sining ang magbubukas sa Oktubre 19 sa West Hollywood.

Si Rolly Crump ay may malaking reputasyon bilang isang rebelde sa loob ng Disney. Isang beatnik siya. Isang taong nagsasalita ng tuwid at walang paliguy-ligoy.

Si Crump, na pumanaw noong nakaraang taon sa edad na 93, ay nagbago ng hitsura ng Disneyland magpakailanman. Ang kanyang sining ay makikita sa Enchanted Tiki Room at, kasama ang kanyang malapit na kaibigan at kapwa artist na si Mary Blair, sa buong It’s a Small World.

Ang estilo ni Crump ay nagtataglay ng isang mas malaki kaysa sa buhay na whimsy at malalakas na kulay na tila nagmula sa isang cirko, at ito ay nahagip ang atensyon ni Walt Disney, na siyang kumuha kay Crump mula sa animation at isang araw ay itinalaga siya sa isang proyekto na magiging isa sa mga pinaka-kilalang orasan sa Southern California. Ang orasan ay ang pang-akit ng harapan ng It’s a Small World.

Sa linggong ito, isang hanay ng mga mas kaunting kilalang personal na gawa ni Crump ang ilalagay sa isang exposisyon sa Song-Word Art House sa West Hollywood. Ang palabas, na pinamagatang “Crump’s The Lost Exhibition,” ay ini-curate ng kanyang anak na si Christopher, na sumusunod sa mga yapak ng kanyang ama upang magtrabaho para sa Walt Disney Imagineering, ang dibisyon ng kumpanya na responsable para sa disenyo ng mga theme park.

Ang “The Lost Exhibition” ay magbibigay-diin sa mga gawa ni Crump mula sa huling bahagi ng 1950s at maagang 1960s, partikular ang kanyang serye ng mga poster na inspirasyon ng folk-house, na may estilo ng rock ’n’ roll.

Bubuksan ito sa publiko mula Biyernes hanggang Linggo, at ang gallery ay malapit sa orihinal na lokasyon ng isa sa mga paboritong pasyalan ni Crump, ang folk club na Unicorn. Isang poster na idinisenyo ni Crump para sa venue ang magiging pangunahing tampok ng eksibit.

Binanggit ni Christopher ang malayang kalikasan ng folk scene noong 1950s bilang malaking impluwensya sa sining ng kanyang ama, na nagtataglay ng mga matitingkad na kulay at masalimuot na, line-heavy na trabaho na makikita sa isang tattoo parlor.

Ang ibang mga poster ay nagpapakita ng asidik ngunit nakakatawang kahulugan ng humor ni Crump, tulad ng kanyang tinawag na “dopers,” na noon ay sining na may humor sa paligid ng droga sa estilo ng mga barroom poster ng Beat generation.

“Magkaroon ka ng isang lalaking nangangarap para sa kanyang sarili,” basahin ang isang painting na pumapabor sa opium.

Sa labas ng kanyang mga gawa sa Disney, nagpatuloy si Crump na magtrabaho sa mga eccentric na Pop art sa buong kanyang karera. Isang poster na inspired ng comic strip mula 1967 para sa psychedelic rock group na West Coast Pop Art Experimental Band ay bahagi ng koleksyon ng Museum of Modern Art sa New York.

Isang print ang ipapakita sa Song-Word.

Mananatili si Crump sa Disney hanggang 1970, kahit na siya ay babalik ng maraming beses bago magretiro noong 1996. Nagtayo rin siya ng isang atraksyon para sa Knott’s Berry Farm, pansamantala ay nagpapatakbo ng sarili niyang design firm at nagkaroon ng maikling buhay na tindahan, Crump’s, na nakatuon sa kanyang sining.

Noong 2017, nagkaroon si Crump ng isang post-career exhibition sa Oceanside Museum of Art, ngunit nakikita ni Christopher ang “The Lost Exhibition” bilang isang pagkakataon upang tuklasin ang hindi gaanong kilalang mga gawa ng kanyang ama, bago pa man siya magtrabaho sa mga atraksyon tulad ng Haunted Mansion at It’s a Small World, na unang ipinamuhay noong 1964 World’s Fair.

“Isang personal na bagay ito para sa akin,” sabi ni Christopher. “Ito ang eksibisyon na hindi kailanman nangyari. Dapat sana itong nangyari. Dapat sana siya ay nagkaroon ng mas maraming gallery shows. Ang totoo, ang tanging tunay na gallery stuff ay noong mayroon siyang Crump’s shop sa Ventura Boulevard, ngunit wala siyang pormal na gallery show.”

Si Christopher, na naroroon sa loob ng tatlong araw upang ibahagi ang mga kwento tungkol sa kanyang ama, ay nakipag-usap sa The Times tungkol sa palabas. Ang panayam na ito ay binawasan para sa haba at kalinawan.

Nagsimula ang kanyang ama sa nagtatrabaho para sa Walt Disney Co. noong 1952. Ikaw ay ipinanganak noong 1954. Ang eksibit na ito ay nagbibigay ng partikular na diin sa mga gawaing sining mula sa panahong iyon. Kailan ka unang nakakaalam sa mga gawa ng iyong ama?

Patuloy siyang nagdodrawing. Sinusuportahan niya ako bilang isang model maker, at mayroon akong mesa at mga tool, at bumili siya sa akin ng mga kit. Nagsimula akong bumuo ng mga modelo noong ako ay 6 na taong gulang. Pinanood ko siyang nagdodrawing. Ngunit sa kalaunan, napagtanto ko na ang malawak na katawan ng kanyang mga gawa, patuloy lang siyang gumawa. Binansagan siya ng isang animator-artist na si Walter Peregoy. Madalas ay gumigising siya ng 4 a.m. upang magdraw at magpaint. At unti-unti, nagbigay ng epekto sa akin. Dalawang trabaho ang ama ko — nagtatrabaho siya sa animation at nagtatrabaho sa konstruksyon tuwing katapusan ng linggo, at nagagawa niya ang lahat ng artwork at mobiles.

Kapag ang isang tao ay tinatawag ang kanilang sarili na artista, wala silang pagpipilian. Ito ay tuloy-tuloy. Ito ay nasa lahat ng oras.

Dapat mo ring isipin ang tungkol sa kultura. Ang ama ko ay hindi nagbabago ng diaper, nagluluto, naglilinis at nagpapalaba. Hindi ito parang may mali sa kanya, ngunit hindi dumating ang mga panahon na kapag nagtanong ako, “Hey, Dad, kailangan mong tumulong sa mga gawaing bahay.” Anuman ang gusto ng ama ko, iyon ang kanyang gagawin, kaya sa kaso ng aking ama, siya ay nagpainting, nagdodrawing, nag-sculpt at gumagawa ng mobiles. Patuloy niyang susundan ang pangangailangan na gawin ang mga ito.

At lahat ng tao ay tumulong. Maraming painting ang ginawa ng aking ina sa mga gawa ng aking ama. Siya ang nagdrawing, at sinabing, “Paint that red. Paint that green.” Natatandaan ko na nagkulay ako sa mga painting, at ito ay noong mga unang bahagi ng 1960s. Lahat kami ay bahagi ng maliit na art machine ng aking ama.

Sa paglikom ng poster art na ito, ano ang iyong pinakakahanga ngayon? Ano ang iyong pinahahalagahan tungkol sa mga personal na gawa na kanyang ginawa habang siya ay nagtatrabaho sa animation? Natatandaan ko ang iyong ama na nagsasabing siya ay may insecurities bilang isang animator.

Ang mga artist na ito sa animation — Walter Peregoy, Dale Barnhart, Frank Armitage, at siyempre, si Ward Kimball at Marc Davis — ang mga ito ay kamangha-mangha. Sinabi ng aking ama, “Alam ko kung paano gamitin ang lapis.” Marunong siyang magdraw, ngunit wala siyang pormal na edukasyon sa sining. Ang mga taong ito ay may impluwensya sa kanya at natuto siya mula sa kanila, ngunit kailangan niyang hanapin ang kanyang boses.

Nakapag-record ako ng isang panayam kamakailan — may nagpadala sa akin — ng kanyang pagbigay ng talumpati, at sinabing ituloy natin ang mga bagong bagay, palaging. Nagsabi siya ng magandang kwento tungkol sa pagnanais na matutong magpinta, upang maging artista. Sinubukan niyang gayahin ang estilo ni Walt Peregoy, at hindi ito nagtagumpay. Siya ay nabigo.

Nagsalita siya ukol sa pagpunta sa isang art show sa studio, at nakita ang isang piraso ng isang bunch ng mga gargoyles na nakaupo sa isang log na lumilipad ng mga kite. At nagliwanag ang kanyang isipan. Sinabi niya, “Kaya kong gawin iyon.” Mayroon siyang kakaibang kahulugan ng humor, at ang mundo ng animation ay tungkol sa pagpapatawa, kaya umuwi siya at nagpainting ng mga lobster na umiinom ng martini. At iyon ang unang painting na kanyang ginawa kung saan kinuha niya ang ideya ng pagkwento at paggawa ng isang bagay na nakakatawa. Iyon ang nagpasimula sa kanya.

Ang palagi kong minahal tungkol sa mga personal na gawa ng iyong ama ay mayroong isang malayang kalikasan dito. Nakikita mo ito kahit sa poster para sa Unicorn. Parang improvisado, jazzy.

At sa tingin ko, at narinig ko siyang sinasabi ito, palagi siyang naghahanap ng ibang bagay, at pagkatapos ay idagdag ang isang twist dito. Kapag iniisip mo ang tungkol sa folk era, noong ito ay talagang mainit — napakainit — ito ay mga hobos sa mga freighter na sumusulat ng mga kanta tungkol sa social injustice. Ang mga ito ay mga taong “ipaglaban ang ina” na nagbigay ng impluwensya sa kanya — ang ideya ng folk music at kalayaan ng pagpapahayag.

Walang paraan na makakapagpainting siya tulad ng ibang tao. Ngunit natagpuan niya ang kanyang boses, at ang mga poster na ito ay naging mas satirical. Isa itong uri ng mock advertising na may napaka-tongue-in-cheek na pakiramdam. Magkakaroon ako ng soundtrack ng karamihan sa mga musika na nasa koleksyon ng aking ama sa bahay. Kaya ito ay isang 4½-oras na compilation ng Miles Davis, Nina Simone, Peter, Paul and Mary, Quincy Jones, Harry Belafonte, Wes Montgomery — lahat ng bagay na narinig ko sa bahay o na narinig ko sa kanyang Porsche habang nakikinig sa jazz station.

Paano mo ikokonekta ang makikita natin sa palabas na ito sa kanyang pinakasikat na gawa sa Disney sa It’s a Small World o sa Enchanted Tiki Room?

Dahil sa araw-araw siyang nagdodrawing, ang kanyang line work, ang kanyang komposisyon, at ang kanyang teknikal na kakayahan bilang isang artista ay gumanda. Iyon ang nagdala kung paano siya nakabuo ng mga bagay sa Tiki Room, ang mga laruan sa Small World. Hindi siya nagising at bumangon sa kama isang umaga at naging magaling. Nagkaroon ng unti-unting pag-unlad ng kung sino siya. Pagkatapos ay umabot siya sa antas ng kumpiyansa. Alam niya kung sino siya at walang alinlangan tungkol dito.

Sinimulan niyang panoorin kung paano kumilos si Walt [Disney] at natagpuan ang kanyang ritmo kasabay ni Walt. Naghintay siya ng ilang taon bago siya talaga naging opinionated, at nang magsimulang makinig si Walt sa kanya, ito ay nakainis sa lahat ng ibang mga Imagineer. Sila ay nagsasaya at sumasay. “Anuman ang gusto ni Walt.” Si Rolly ay hindi isang sayaw. Paano maaaring ang isang kakaibang beatnik na karakter ay maging Disney? Parang mga musikero ito. Nasa kanilang kakayahan ang lahat. Nabanggit mo ang bagay na jazz — ang jazz ay tungkol sa improvisation. Ang jazz ay tungkol sa pagsunod sa daloy kung ano man ito at pagsunod sa iyong mga kakaibang ideya. Naniniwala si Walt sa mga kakaiba niyang ideya.

At sa kabila ng mga kakaibang ideyang iyon, nakatulong ang mga ito na tukuyin ang tono ng Disneyland. Ang mga modernong theme park ay talagang nakaayon sa hitsura ng pelikula at telebisyon, ngunit mayroong maraming beses, halimbawa, sa It’s a Small World, kung saan maliwanag ang impluwensiya ni Rolly.

Hindi alam ng aking asawa ang tungkol sa Disney. Sumakay siya sa It’s a Small World — at ang aking ama ay nagdidisenyo ng mga birthday card at Christmas card — at tumingin siya sa It’s a Small World at sinabi, “Oh aking Diyos, ito ang aking biyenan.” At parang nasa isip ko iyon. Lahat ng ito ay nabuo at naiproseso, at sa oras na umabot ang World’s Fair, at dumating ang 60s, siya ay may iyong pinagsama-samang walong o siyam na taon ng pagtambay, at ngayon siya ay namumulaklak. Ngayon mayroon siyang entablado upang magtrabaho.

Kaya pinag-uusapan ko ang tungkol sa 50s at maagang 60s bago ang lahat ng ito. Ano ang nangyari sa kanya na nagpalago sa kanya at nagpalago sa kanyang kumpiyansa upang maging malaking tao na iyon?

Maaari itong makipag-ugnayan sa musika. Nagperform siya sa maraming maliliit na clubs bago siya umusbong sa mga malalaking entablado. Ang aking pakiramdam ay magkaroon ng mga tao na alalahanin kung paano nagiging mga artista ang mga ito.